Schlombies Filmbesprechungen

Nach dem Kauf der DVD dauerte es keine 24 Stunden, bis die Disk abgespielt wurde. Klar, ich bin mit etwas viel Erwartungen herangegangen, das machte die Ernüchterung beim Sichten dieses Routine-Thrillers etwas extrem. Es ist nicht so, dass der Film nicht wüsste Spannung zu erzeugen, die plätschert fröhlich im Mittelmaß vor sich hin. Sie ist in einer Dosis enthalten die für Unterhaltungszwecke reicht. Das Thema selbst muss ja nun auch nicht die Nerven kitzeln. Viel wichtiger ist immerhin der Paranoia-Faktor, und den hat man nicht vergeigt.

Wie die Rolle Carreys vom Wahn der Zahl 23 eingeholt wird, ist gut herausgearbeitet, kommt nicht zu ruppig, allerdings auch nicht so schleichend wie man vielleicht vermuten könnte. Die Idee als Auslöser den Glauben zu nehmen, ein Buch handle von einem selbst, war ein guter Kniff, um die Hauptfigur in diesen Sog aus Nummern- und Mathematik-Irrsinn hineingleiten zu lassen.

Verschwörungstheorien über die Zahl 23 gibt es tatsächlich, die realen Beispiele wie Gläubige mit dieser Nummer umgehen, werden auch in diesem Film verwendet und entlarven sich dort beim Sichten bereits als Blödsinn, wenn man mit ansehen muss wie auch die 32 als umgedrehte 23 herhalten muss, wie Daten addiert werden um auf die Summe 23 zu kommen, im Gegenzug aber Daten, in der die 23 bereits enthalten ist, nicht mehr zusammengerechnet werden. So ist es natürlich logisch, dass man immer wieder auf die Zahl stößt, und auch dieser Fakt wird von Joel Schumacher herausgearbeitet. Das ist auch gut so, denn ein Ignorieren hätte das Werk lächerlich wirken lassen.

In der ersten Filmhälfte funktioniert das Erzählte eigentlich recht gut, wenn auch nicht mit einer so intensiven Wirkung, wie ich sie mir erhofft hatte. In der zweiten Hälfte wird die Geschichte nun aber in eine Richtung gelenkt, die ich nicht mehr so toll fand. Anstatt aus der 23 eine weltweite Verschwörung zu machen, bzw. die Hauptfigur darüber im Glauben zu lassen, wird der Kosmos der Figur Walter Sparrows immer kleiner. Die Lösung schimmert immer mehr in der näheren Umgebung durch, bis der Kosmos in einer Größe angekommen ist, wie er geringer nicht mehr sein könnte.

Die Lösung kommt etwas wackelig daher, sie ist möglich aber unglaubwürdig, ein paar Erklärungen mehr wären da vielleicht recht nett gewesen. Vielleicht auch nicht, da das Ende ohnehin in einem Meer aus Erklärungen versinkt, um das Gezeigte sinnvoll erscheinen zu lassen. Das ist zwar nicht unbedingt uninteressant, aber zuviel des guten und leider da abgebrochen, wo es nun interessant wäre näher einzutauchen. Findet man sich mit der Auflösung ab, ist immerhin der Schluss konsequent zu nennen, der zwischen einem versöhnlichen und einem bösen Ende hin und her pendelt und es dem Zuschauer überlässt zu überlegen, wie es weiter gehen könnte.

Die Schwachpunkte liegen in der zweiten Hälfte, dennoch kündigte bereits die erste die Vorwarnung an, dass man nicht zu viel erwarten sollte. Das merkte man z.B. anhand der Optik. Es ist lobenswert, wie die parallelen zwei Geschichten nebeneinander herlaufen. Es ist toll Carrey bei diesen zwei unterschiedlich gespielten Figuren zu beobachten und es ist natürlich besonders toll, wie ähnlich sie sich mit der Zeit werden. Aber die an sich gelungene Computeroptik, die für die Rückblicke verwendet wurde, ist zu überfrachtet. Man merkt regelrecht wie bemüht man war, künstlerisch wertvolle Bilder und Übergänge einfangen zu wollen, macht den Zuschauer damit aber oft genug kurzfristig lediglich zum Beobachter.

Wie erwähnt ist es aber erst die zweite Hälfte, in der „Number 23“ nun zu bröckeln beginnt. Je weiter es Richtung Finale geht, um so mehr wird kaputt gemacht, bis es schließlich in einer unbefriedigenden, da lückenhaften und unglaubhaften, Auflösung endet, deren Logik nur innerhalb des Filmes funktioniert. Aber gerade Filme, die sich mit Verschwörungstheorien befassen, sollten eigentlich auch in unsere, reale Welt übertragbar sein, um komplett schocken zu können. Schade dass darauf nicht geachtet wurde.

Weiß man dies vorher, wird man sicherlich besser unterhalten als ich. Es ist ja nun nicht so, dass wir mit „Number 23“ einen unbrauchbaren Film beschert bekommen hätten. Als kleiner Thriller für zwischendurch, so a la „The 4th Floor“, funktioniert er durchaus. Aber das war es dann auch schon. Gerade wenn man „Pi“ gesehen hat, kann „Number 23“ in letzter Konsequenz nicht mehr funktionieren.

„Pi“ zeigte viel deutlicher, nachvollziehbar und bedrohlicher, wie es sein muss unter der Paranoia einer Zahl zu stehen. „Pi“ machte den ganzen Irrsinn viel deutlicher, ließ den Zuschauer immer zwischen gläubig und ungläubig pendeln und arbeitete mit einer Optik, die einem das Gefühlsleben des Protagonisten wesentlich näher brachte, als es jeder Computereffekt aus dem Streifen mit Carrey je könnte. Dafür ist Joel Schumachers Film massentauglicher umgesetzt, „Pi“ dürfte nicht jedermanns Ding sein. Wer sich selbst als Cineasten sieht, sollte sich unbedingt erst „Pi“ anschauen, bevor er zu dem Carrey-Streifen greift. Der Normalo kann es auch ruhig bei „Number 23“ belassen, auf routinierter Ebene weiß dieser zu unterhalten, und einige wirklich kranke Ideen hat er ja nun auch zu bieten.  OFDb

Ein kleiner Ausrutscher hier und da ist gewiss nicht all zu schlimm, der Fehler, dass der Film nicht in der oberen Liga mitspielt, muss woanders liegen. Dies ist zwar jetzt ein sehr subjektiver Punkt, aber mich konnte die Geschichte erst zum letzten Drittel hin mitreißen. Die Tragik des Gedächtnisverlustes, das unwohlige Gefühl als Zuschauer zu wissen, dass jeder sich irrt, die Romanze zu Lukes Ex, das waren alles Gefühle, die bei mir nicht richtig ankamen, zumindest nicht so, wie ein Drama eigentlich mitreißen könnte. Erst mit dem Tod des Vaters, dem Wiedererlangen des Gedächtnissen, in dieser Phase war ich mittendrin. Zuvor guckte sich „The Majestic“ auch nett, aber einfach eine Spur zu soft. Der eigentlich gute Grund nicht zu dick auftragen zu wollen geriet zu einer Drama-Lightversion. Wäre die Geschichte nicht so gut gewesen, hätte dies gar das Aus für den Film bedeuten können. Immerhin findet die Zurückhaltung in der Inszenierung auch positive Punkte.

So ist beispielsweise das finale Bekennen zur Verfassung nicht so patriotisch eingefangen, wie es in Amerikas Dramen nur all zu gerne angegangen wird („Men Of Honor“, „Eine Frage der Ehre“, ...). Der Trick bei der Sache liegt daran, dass die Argumentation sich diesmal nicht auf das Wort Amerika bezieht, sondern auf den Begriff Demokratie. Damit konzentriert man sich auf den wichtigeren Begriff von beiden und schafft es, das Thema mit Würde und Sachlichkeit statt mit Pathos und Schnulz anzugehen. Handwerklich stimmt an „The Majestic“ alles. Die Requisiten, Kostüme und Frisuren wirken echt, Kamera, Schnitt und Musik sind gut eingebracht und die Darsteller sind alle brauchbar besetzt, zumindest fiel mir niemand negativ auf. Kleine Gimmicks bereichern das Werk zusätzlich. So läuft beispielsweise im wieder aufgebauten Kino „Der Tag an dem die Erde stillstand“ und „Die Dämonischen“, Filme die nicht zufällig zu dieser Zeit aufgeführt wurden und mit dem Thema von „The Majestic“ mehr gemein haben, als der Laie vermuten mag.

Auch die Wahl des Titels kann man als gelungenen Kniff betrachten. Zwar ist der Aufbau des Kinos in der Geschichte selbst nur Nebensache, letztendlich vereint sich aber nur im „Majestic“ die Identität von Peter und die von Ichglaubeichbinluke-Luke. Peters Entscheidung am Schluss hätte man inhaltlich wie „In Sachen Henry“ erzählen/begründen können. Auch dort ging es u.a. um den Verlust der eigenen Identität, mit dem Kniff, dass die Rolle von Harrison Ford sein altes Ich nicht mehr mag. Peters Entscheidung in „The Majestic“ kommt von anderer Seite, und da auch in diesem Bereich der Geschichte Zurückhaltung an der Tagesordnung stand, guckt sich auch das Happy End sehr angenehm und hinterlässt keinen bitteren Nachgeschmack durch Kitsch, Patriotismus oder anderen manipulativen Erzählmethoden. Schade dass die Geschichte selbst von zu vielen Zufällen lebt und die lobenswerte Zurückhaltung dramatischer Mittel gleichzeitig dafür sorgt, dass Emotionen sich nicht so gut auf den Zuschauer übertragen lassen. An sich ist „The Majestic“ nämlich ein cleveres Filmchen gewesen, dessen Mühe aller Beteiligten man deutlich erkennen konnte. Neu für mich war, dass Jim Carrey doch noch den ein oder anderen Punkt im Bereich Schauspielerei erlernen muss. Das hätte ich nach seinen vielschichtigen Momenten in „Der Mondmann“ kaum vermutet.  OFDb

Manch einem mag dieses Rezept auf dem Papier nicht schmecken, jedoch schafft es Regisseur Michael Gondry die Romantik niemals kitschig erscheinen zu lassen. Sie ist nur Beiwerk eines  lebensbejahenden Filmes, was wiederum auch eine seltene Eigenschaft eines Werkes dieses Genres ist, erst recht wenn man bedenkt, dass die Grund-Thematik deutlich gesellschaftskritisch geprägt ist.

Es ist besser unglücklich geliebt anstatt nie geliebt zu haben. Dies ist ein berühmter Satz, und er könnte Grundlage gewesen sein, ist eine Kernaussage des Films doch die, dass Erinnerungen, auch jene schmerzhafter Natur, wichtig für uns Menschen sind. Wenn der Schmerz vergeht bleibt vieles Gutes in Erinnerung. Aber auch der Heilungsprozess kann nur mit Hilfe von Erinnerung stattfinden. Diese Theorie des Filmes findet sich zumindest zwischen den Zeilen, wenn man als Zuschauer resümieren darf, dass niemanden nach der Operation geholfen war.

Leer laufen die Geheilten durch ihren Alltag. Irgendetwas bedrückt sie, aber sie wissen nicht was. Das Problem ist aus ihrer Erinnerung gelöscht. Wie will man über etwas hinwegkommen, was einem nur noch unterbewusst quält? Nicht zu vergessen der Aspekt, dass man ohne sich an seine Fehler zu erinnern auch nicht aus ihnen lernen kann. Dieser Bereich blitzt gar auf positive Art auf, wenn man beobachten darf, wie sich die Liebenden instinktiv nacheinander sehnen, und da reden wir nicht nur von den von Jim Carrey und Kate Winslet verkörperten Hauptfiguren.

An der Besetzung gibt es nichts zu meckern. Es fällt etwas auf, dass Kirsten Dunst eher mit gutem Aussehen anstatt mit Schauspieltalent glänzt. Aber ihre Rolle ist relativ klein und auch so angelegt, dass ihre Defizite nicht auffallen. Letztendlich muss sie ohnehin das naive, gedankenlose Ding spielen, welches sie wohl auch privat nach Pressemeldungen zu sein scheint.

Ansonsten sind nur Profis am Werk. In einer kleinen Rolle erleben wir den einstigen Kinderstar Elijah Wood, der mittlerweile seit „Herr der Ringe“ auch der Masse etwas sagt, und er agiert einmal völlig anders. Kate Winslet beweist auf ein neues, dass sie sich nicht nur äußerlich sondern auch durch ihr Talent von anderen erfolgreichen Frauen Hollywoods unterscheidet. Passend zum Gesamteindruck des Films spielt sie glaubhaft realistisch, geradezu natürlich. Jim Carrey hat für Kalauer nur wenig Szenen und beweist mal wieder wie viel in ihm steckt, so dass sich „Vergiss mein nicht!“ sorglos in die Schlange seiner besten ernsteren Werke wie „Truman Show“ und noch mehr „Der Mondmann“ einreihen kann.

Regisseur Michael Gondry, der es in seinem Vorgängerfilm „Human Nature“ noch nicht schaffte sehr phantastische Ideen, Satire, Kritik und auch Groteske kompromisslos unterhaltsam umzusetzen, schafft mit „Vergiss mein nicht!“, einem nicht weniger inhaltlich außergewöhnlichen Film, ein Vorzeigewerk zu kreieren, von dem viele Filmschaffende lernen können. Umso enttäuschender ist, was er später mit „Abgedreht“ abgeliefert hat, spielte doch auch dieser Film mit einer interessanten Idee, wenn auch nicht mit der Klasse und Vielschichtigkeit von „Human Nature“ und dem hier besprochenen Film.

An beiden Werken war Charlie Kaufman als Drehbuchautor und Ideengeber beteiligt, jenem Mann, der die Cineasten schon 1999 mit seinen ungewöhnlichen und fast filmuntypischen Ideen in „Being John Malkovich“ überraschte. Dieser eigentlich recht gute Film hatte jedoch noch Ecken und Kanten, an denen geschliffen werden mussten, vielleicht weil die Figuren dort so grotesk erschienen wie die Erlebnisse selbst. Mag sein dass ich „Vergiss mein nicht!“ auch deshalb als einen Schritt nach vorne verstehe. Denn trotz der irrsinnigen Idee, auf welcher Gondrys Film aufbaut, sind seine Figuren doch alle griffig, und ideal als Identifikationsfiguren geeignet.

Es sind Außenseiter und Normalos zugleich. Und ihre Probleme, Wünsche, ihre Gesprächsthemen und ihren Alltag kann man alles nachvollziehen. Parallelen zum Publikum sind genügend vorhanden. Und gerade dieser Aspekt beweist die sensible und feinfühlige Ader des Streifens. Sie zeigt sich ebenso im Verzicht jeglichen Klischees. Es zeigt sich in der wohligen Dosierung von Spannung, Dramatik und Humor, ohne je in eine Extreme zu rutschen. Gerade der reißerische Bereich findet keinerlei Niesche. Aber die Menschlichkeit, welche die Seele des Zuschauers wiederspiegelt, bleibt eine Rezeptur die nicht von irgendwem kopiert werden kann. Alltägliches, vielleicht auch Selbstverständliches, natürlich zu greifen beherrscht man als Geschichtenerzähler entweder oder eben (noch) nicht.

Nur an wenigen Stellen zeigen sich Schwächen. Am deutlichsten in einer Szene, die in einer Kindheitserinnerung von Joel spielt. Hier hätte der Film in falschen Händen schnell in eine alberne Komödie abrutschen können. Gondry verliert sich glücklicherweise lediglich für einen kurzen Augenblick in diese Richtung, fasst aber schnell genug wieder Fuß. Es scheint an Regie, Jim Carrey und vielleicht auch dessen deutsche Synchronstimme zu liegen, dass diese Szene etwas albern wirkt. Denn rein vom Dialog ist der Text nah am Denken und Sprechen eines Vierjährigen orientiert.

Nicht nur hier erkennt man das Verständnis der menschlichen Psyche. Auch jene Kindheitserinnerung, welche Joel glaubt überwunden zu haben, weist psychologische Raffinesse auf. So erwachsen und weiterentwickelt man sich auch fühlt, die Dämonen der Vergangenheit wissen einen noch immer zu beeinflussen, so gezeigt in einer Szene, in welcher Joel beschließt sich nicht mehr von seinem ehemaligen Peiniger erniedrigen zu lassen, um sogleich in das alte Muster zurückzufallen.

Für einen Science Fiction fast schon untypisch ist auch die eher unauffällige Verwendung von Spezialeffekten. Ohnehin scheinen sie relativ selten verwendet zu werden. Simple Kniffe wie das plötzliche Ausblenden von Passanten wissen als Verdeutlichung des Löschvorgangs ebenso emotional zu funktionieren, wie der noch simplere Kniff Clementine auf dem Eis ins dunkle Schwarz zu ziehen. Erstaunlich dass dieser besonders banale Effekt mit am besten zu schockieren weiß.

Bei all den positiven Worten über ein Werk, das sich in vielerlei Hinsicht, gerade auf sein Entstehungsland betrachtet, mit dem etwas abgenutzten Begriff Ausnahmefilm kleiden darf, bleibt doch am erstaunlichsten die Glaubwürdigkeit dieser Erzählung zurück. Gondry und Kaufman passieren keine Schnitzer. Die skurrile Grundidee ist glaubwürdig umgesetzt und lässt auch im Bereich der Logik nichts zu wünschen übrig. Der Grund warum Joel sich seines Zustandes und aktueller Geschehnisse bewusst ist, wird ebenso aufgearbeitet, wie der Aspekt warum Joel und Charlotte aufgrund einer Abmachung im realen Leben aufeinander treffen, obwohl die Verabredung lediglich in Joels Kopf getroffen wurde. In solchen Punkten orientiert sich der Film jedoch an ein aufmerksames Publikum, denn die Begründungen dahinter werden einem anhand simpel scheinender Nebensächlichkeiten präsentiert, so dass einem der Sinn mancher Geschehnisse nicht auf dem silbernen Tablett serviert wird.

„Vergiss mein nicht!“ ist eine Geschichte, die es all jenen noch einmal zeigt, die jammern es hätte schon alles gegeben und man könnte nur noch kopieren und variieren. Kaufmans Idee ist das wofür Kino gemacht wurde, auch wenn man sich vor Sichtung kaum vorstellen kann, wie eine solche Geschichte mit dem Medium Film überhaupt einzufangen ist. Gondrys Werk ist sensibel, witzig, spannend und dramatisch. Er ist tiefsinnig, poetisch, philosophisch und lebensnah. Er ist lebensbejahend und überrascht damit Stellung zu beziehen. Wer vom gängigen Popkornkino-Rezept noch nicht abgestumpft ist, wird sich freuen einen Film zu erleben, der nicht nur auf der Unterhaltungsebene prima, da relativ manipulationsfrei funktioniert, sondern einen emotional sanft an die Hand nimmt und bereichert.  OFDb

Es ist nicht so, dass die beiden mit ihrem Debüt gescheitert wären. Der Film weiß zu unterhalten. Aber die gesetzten Schwerpunkte sind meiner Meinung nach falsch gewählt. Die Hauptphase des Films, das Zusammenleben mit Phillip Morris, gehört im Gesamtbild des Erlebten zum uninteressantesten Part der Geschichte. Die wirklichen Highlights werden im Schnellverfahren abgearbeitet: das Leben vor dem Wandel, der Wandel, die kleinen Gaunereien, das Erarbeiten der Begabung eine professionelle Gaunerei durchziehen zu können (viel zu kurz angeschnittener Punkt) und das Einleben im Gefängnis. Schade dass der Film hier nur das Nötigste erzählt und über diesen hektischen, sprunghaften Stil in dieser Phase auch am unterhaltungsfeindlichsten bleibt.  Denn das ist der Witz: durch die Inszenierung weiß im fertigen Film tatsächlich der eigentlich uninteressanteste Aspekt der Geschichte am meisten zu unterhalten: die Beziehung mit Phillip Morris.

Der Film hätte einen anderen Namen bekommen, und ausgerechnet die Rolle von Ewan McGregor, der auf ein neues beweist wie talentiert er ist, wäre stark gekürzt worden. Aber das wären Randerscheinungen gewesen, die ich gerne in Kauf genommen hätte, um die Geschichte so zu erleben wie sie am interessantesten gewesen wäre. Der Fehler beim gewählten Schwerpunkt ist nun einmal, dass sich der Zuschauer nach einiger Zeit fragt, was die Geschichte eigentlich erzählen möchte.

Da verlieben sich zwei Schwule im Knast, und der eine finanziert deren schönes Leben durch Betrug. Das könnte noch interessant klingen, wenn die Betrügerei im Vordergrund stehen würde, aber selbst wenn diese nach dem Knast endlich einmal mehr vertieft wird, als im ersten Drittel des Streifens, bekommt sie doch nicht genug Gewichtung, um wirklich zu einer interessanten Geschichte zu werden.

Das war den Regisseuren sicherlich bewusst, und man merkt schnell dass der Film seine Pluspunkte aus den Charakteren ziehen will anstatt aus einer packenden Geschichte. Denn die bieten sich für einen interessanten Film geradezu an: der ewig naive Phillip, der immer an die Falschen gerät, inklusive Steven. Und Steven, ein Mensch der allen so lange etwas vorgeschwindelt hat, bis er selbst nicht mehr weiß wer er ist. Schön dass dies zumindest im letzten Drittel in den Vordergrund rückt. Aber ein Vertiefen der oben genannten, zu kurz kommenden Themen, hätten den Zuschauer viel mehr in dieses verlorene Gefühl mit eintauchen lassen. „I Love You, Phillip Morris“ guckt sich zu theoretisch, und das finde ich verschenkt in einem Genre wie der Tragikomödie.

„I Love You, Phillip Morris“ weiß routiniert zu unterhalten und wird nie langweilig, auf der anderen Seite wird er aber auch nie aufregend genug, um ihn als Empfehlung zu feiern. Die erste halbe Stunde ist zu hektisch erzählt. Wer mit ihr Schwierigkeiten hat, sollte dem Rest des Filmes aber ruhig dennoch eine Chance geben. Allein den beiden Hauptdarstellern bei ihrer Arbeit zuzusehen, ist das Einschalten bereits wert. Es sind beides einfach große Talente ihres Fachs.  OFDb

Und doch könnten beide Filme unterschiedlicher nicht sein, unterscheiden sie sich doch bereits im Kern der Geschichte: Marty landet in einer ihm völlig fremden Welt, Peggy Sue erwacht in ihrer eigenen Vergangenheit. Somit ist Marty nicht nur so alt wie er ist, wohingegen Peggy als jüngeres Ich erwacht, auch der emotionale Schwerpunkt des Streifens wird dadurch anders gesetzt. Wo „Zurück in die Zukunft“ auf Witz setzt, setzt Francis Ford Coppolas Werk eher auf Nostalgie, so dass die Fantasy-Romanze oft tragikomische Wege einschlägt.

Interessanter Weise erleben wir die tragischsten Augenblicke nicht im Leiden der Peggy Sue, sondern durch ihren zukünftigen Ehemann Charlie, dessen junges Ich für all das bezahlen muss, was er noch gar nicht verbrochen hat. Dieser Kniff hat Verwandtschaft zur wichtigsten Männerrolle in „30 über Nacht“, in welchem tragische Momente über eine vernachlässigte Jugendfreundschaft entstehen, unter welcher der Mann ebenfalls mehr zu leiden hat als die eigentliche Hauptperson.

Es gibt noch einen entscheidenden Unterschied zu „Zurück in die Zukunft“. Während Marty durch die Zeit reist, weil er aus versehen eine Zeitmaschine bedient, landet Peggy Sue auf nicht wissenschaftlich erklärbaren Weg im Jahr 1960. Es wird darüber spekuliert wie Zeitreise möglich ist. Es wird versucht zurückzukehren. Aber selbst das geschieht nicht auf logischer Ebene. Auch in diesem kleinen Sub-Plot steht die Phantasie im Vordergrund, durch seines Satireansatzes beim Versuch heimzukehren jedoch nicht auf mystische Art. Das Landen in Peggys Vergangenheit ist schlichtweg Fantasy, so wie der Wechsel in einen anderen Körper in den unzähligen Bodyswitch-Komödien. Robert Zemeckis Film um die Abenteuer von Marty McFly war hingegen Science Fiction.

„Peggy Sue hat geheiratet“ schwelgt in der Erinnerung an Zeiten, in denen scheinbar noch alles eine Spur ruhiger war, gelebt in einem Alter, in dem alles noch so neu ist. Dass dies in Peggy Sues speziellen Fall nicht so ist, ist die Hauptquelle aus welcher der meist stille Humor entnommen wird. Die lebenserfahrene Ehefrau und zweifache Mutter ist längst kein naiver Teenager mehr und nicht nur durch ihre Herkunft aus der Zukunft schlauer als ihre Mitmenschen. Sie hat emotionale Hochs und Tiefs schon erleben dürfen, kann sie wie ein Erwachsener bereits rationaler einordnen und findet sich wieder inmitten naiver Teens, die ihre Gefühle noch nicht sortiert bekommen und für die jedes Hoch und Tief zu emotionalem Überreagieren führt.

Somit haben wir das Zusammentreffen von Kultur und zwei Generationen. Da beide jedoch rein technisch gesehen die selbe sind steht Peggy Sue dennoch ihren eigenen Schulfreunden näher als ihrem Elternhaus. Da Peggy sich für tot hält und nun beim zweiten Versuch alles anders machen will, stolziert sie jedoch nicht als Erwachsene durch das Jahr 1960, sondern lässt sich zurückfallen in die Rolle der Teenagerin. Sie geht auf Partys, sie schläft mit einem in ihren Augen Minderjährigen (welch provozierendes Thema am Rande, eine echte Konkurrenz zu den Liebesgelüsten der eigenen Mutter in “Zurück in die Zukunft“) und fällt ihren Freunden dementsprechend nur durch ihre Freizügigkeit und ihrer wirren Art als etwas merkwürdig auf. 

Was mir hingegen auffällt ist das Grasen nah am Mainstream. Ständig setzt der Film auf die Tränendrüse, sei es bei lebenden Verwandten, die in der Zukunft tot sind, beim Herzschmerz des verletzten Charlie oder in der Verzweiflung Peggys immer noch den Mann zu lieben, der ihr in der Zukunft weh tun wird. Und obwohl die Geschichte recht simpler Natur ist und die Schauspieler meist nicht wirklich professionell vorgehen schafft es Coppola, dass man diesen Kitsch mit offenen Armen empfängt, sicherlich auch weil es Nostalgie-Kitsch a la „Stand By Me“ und Co ist. Sich von vergangenen Zeiten einlullen zu lassen funktioniert irgendwie immer eine Spur besser als Kitsch in der Gegenwart zu ertragen. So geht es zumindest mir.

Auch wenn Peggy Sue nicht glaubhaft jünger wirkt, während ihre jugendlichen Mitspieler in der Zukunft nicht glaubwürdig gealtert wirken, so weiß der Film, der näher am Massengeschmack angelegt ist als sein verwandter Blockbuster aus dem Jahre 1985, doch zu bezaubern. Hits vergangener Tage sausen einem durch die Ohren, witzige Momente lockern die Tragik auf und einer Identifikationsfigur mit Heimvorteil zu folgen gibt dem Zuschauer ohnehin das gewisse Etwas beim Miterleben. Erstaunlich dass man sich an ihr orientiert, obwohl man sich die Romanze betreffend von ihr löst, da man Charlie derart leiden sieht.

Was der Film einem an Erlebten und Emotion schenkt, macht wieder wett was er handwerklich oder über angewandte Klischees falsch macht. Und somit ist „Peggy Sue hat geheiratet“ Edelkitsch geworden, der definitiv zu wirken weiß. Die Negativpunkte dürfen trotzdem ein wenig verwundern, sind doch mit Francis Ford Coppola, Nicolas Cage, Jim Carrey und in der Hauptrolle Kathleen Turner alles talentierte Leute ihres Fachs beteiligt gewesen. Mag deren etwas unglaubwürdiges Werkeln gar Absicht sein, damit der Film surrealer wirkt?  OFDb