Schlombies Filmbesprechungen

Wechselt er vielleicht über zu einer Kopie vom „Blutgericht in Texas“? Immerhin heißt es im deutschen Beititel „Lebend gehäutet“. Auch hier ein klares nein, der Beititel ist Quatsch. Hier wird niemand gehäutet. Getötete erfahren lediglich einen Gesichterklau im Bereich der Nachahmung. Aber in den Augen deutscher Kaufmänner braucht der Videokonsument unseres Landes scheinbar reißerische Titel, um bei einem Film überhaupt zuzuschlagen. Dass man damit etwas Falsches vorgaukelt und das verkehrte Publikum lockt ist diesen geldgeilen Leuten seit je her egal, auch wenn der Ruf eines Filmes damit oft ruiniert wird, selbst wenn er eigentlich gut ist, wenn auch nur für ein anderes Publikum. 

Im Falle von „Skinner – Lebend gehäutet“ wird eher der Konsument von Horror-Dutzendware bedient als der Fan richtig harter Genrekost. Und auch wenn dieser Streifen nicht wirklich zu dem Bereich der Horror-Komödien zählt, so muss der Zuschauer doch wenigstens parodistische Anlehnungen und Augenzwinkerei mögen. Ein wirklich ernstes Produkt wird einem nämlich auch nicht geboten.

Das merkt man allerspätestens an den sehr gelungenen Parodien auf vergangene Gruselfilm-Phasen. „Skinner“ spielt in einem Kino während einer spaßig gemeinten Retro-Horrorfilm-Nacht, bei der Monsterfilme aus den 50ern und 60ern gezeigt werden. Für diese Szenen griff man nicht auf bereits vorhandenes Material zurück, sondern drehte kleine Passagen selbst, die sehr eng an echte Werke dieser Zeit erinnern. Lediglich das Gewaltpotential der angeblichen Klassiker ist zu hoch und eher ein Nebeneffekt der Moderne, in der „Skinner“ entstand. Ansonsten könnte man meinen, die angedeuteten Filme könnten wirklich existieren.

Da läuft ein Film über einen elektrisch geladenen Mann, der nach seiner Hinrichtung auf dem elektrischen Stuhl derart unter Strom steht, dass es für die Menschen in seiner Umgebung gefährlich wird (ein ähnliches Szenario kenne ich persönlich nur aus der Ernest-Reihe im Film „Chaos im Knast“). Ein anderer Streifen zeigt uns einen Beitrag zum Thema Tiermutation. Hier fallen Riesenmoskitos über die Menschen her (was man in den 90ern dann auch durch „Skeeter“ und „Mosquito“ verspätet erleben durfte). Die dritte Aufführung ist eine Parodie auf die japanischen Horrorbeiträge dieser Zeit. Von allen drei Parodien bekommt man von dieser allerdings am wenigsten zu sehen. Das ist auch verständlich, immerhin sterben während dieser Vorstellung Menschen für den Film „Skinner“, und der muss ja irgendwann in die Gänge kommen.

An sich guckt sich der „Hauptfilm“ soweit zunächst angenehm. Wie erwähnt klaut er ein wenig, aber er wird nie langweilig und hat hin und wieder Szenen mit kleinen Anflügen von geglückter Atmosphäre. Die Darsteller spielen, wie nicht anders zu erwarten, im Mittelmaß, und der erste Tote lässt nicht lange auf sich warten. Ein Spuk sorgt für das erste Opfer, ziemlich unblutig, und daran wird sich auch wenig ändern. In „Skinner“ wird ab und an einfallsreich getötet, wirklich blutig wird es dabei nur selten.

Am guten Bild dieser B-Produktion wackeln zwei Faktoren. Der eine ist die Rolle des Nancy-Klons, die viel zu schnell paranoide Verschwörungen prophezeit und an unterschiedlichen Geschehnissen Verknüpfungen vermutet, wie es geisteskranker nicht sein könnte. O.k., wie der Film uns zeigt behält die Dame recht, das ist allerdings arg zufällig, da die Heldin niemals Beweise oder Erkenntnisse über ihre Behauptungen erhält. Angetrieben wird sie lediglich durch Angst und einer fixen Idee. Da ärgert es schon, dass sie mit dem Wahnsinn, der aus ihrem Mund sprudelt, bei einem Freund auch noch Gehör findet. Wenigstens darf der Rest die Augen verdrehen und wird, Horrorfilmgesetz sei dank, dafür auch noch umgebracht.

Faktor 2 ist die Auflösung der Geschehnisse. Die werde ich hier nicht verraten, aber sie steht im völligen Widerspruch zu der Szene, in der wir der Mutter des Nancy-Klons beim angeblichen Ableben zuschauen dürfen. Was in jener Nacht in dem Lichtspielhaus geschah, war definitiv übernatürlich und kann nicht anderweitig erklärt bzw. umgesetzt werden.

So ein großer Widerspruch ärgert und lässt einen nur deshalb nicht endlos auf das Endergebnis fluchen, weil die magere Auflösung immerhin nett umgesetzt ist. Auch sie hat das Manko vieler anderer Genrebeiträge zu geschwätzig ausgefallen zu sein, aber in diesem Geschwätz erleben wir auch allerhand Witz. Auch routinierte Spannung kommt hin und wieder auf. Nicht dass man sie bei dieser Art Horrorfilm nötig hätte, aber sie ist ein kleiner Bonus für Neueinsteiger ins Genre.

„Skinner“ präsentiert nicht wirklich etwas Neues, aber er ist eigentlich nett erzählt. Den meisten dürfte er zu belanglos sein, deswegen sollten nur Vielseher der Richtung Horrorfilm zugreifen. Zudem muss man sich auf eine gravierende Unlogik im Handlungsverlauf einstellen und auf einige kleinere Ärgernisse. Das macht „Skinner“ letztendlich, auch für das Zielpublikum, lediglich zu Durchschnittskost.  OFDb

Natürlich verläuft so ziemlich alles nach Schema F, aber der Kenner dieser Art Film und der aufmerksame Cineast an sich wird so einige, winzig scheinende Unterschiede entdecken. Am auffälligsten ist wohl, dass die Bande, die das Monstrum töten will, recht clever zur Sache geht. Zwar gibt es auch idiotische Momente, so fragt man sich z.B. warum die Jäger auf dem See mit einer Nussschale unterwegs sind, obwohl man wissentlich ein mutiertes Reptil sucht, aber das schnelle Begreifen, die vielen Mordversuche und die Kombinationsgabe sind nicht ohne. Letzteres steht sicherlich in Verbindung damit, dass zwei der Jäger Polizisten sind, aber selbst dies verweist auf eine erzähltechnische Unregelmäßigkeit: Die Zeit in der die Polizei oder das Militär in Monsterfilmen zur typischen Hauptfigur wurden, lag schon 20 Jahre zurück.

Noch interessanter wird es aber auch in einem anderen Bereich seines Entstehungsjahres. Obwohl in den 90ern gedreht, und damit bereits im Bereich der politisch korrekten Erzählweise des durch die Blockbuster aufgezwängten Erzählstils, bekommen wir hier griffige Charaktere vorgesetzt. Auch sie baden tief im Klischee-Meer, das will ich gar nicht überspielen. Aber sie denken und handeln individuell. Sie tun nicht was man erwartet und sie handeln nicht faschistisch seelenlos für die große Sache.

Befehle werden gerne einmal ignoriert, selbst von Vorgesetzten, Töchter wehren sich griffig gegen das fragwürdige Verhalten ihrer Väter, verpatzte romantische Situationen mit der Ehefrau werden nicht wie ein unentschuldbares Verbrechen behandelt, der böse Bürgermeister darf Gewissensbisse haben und wirkt in seiner Zwickmühle menschlich besorgt, Großwildjäger reagieren auf Argumente und kooperieren mit einem sympathischen Polizisten ohne zu mosern oder große Männerkämpfe auszufechten. Der Polizist selbst weiß nicht nur zu kombinieren, sondern auch mit nachvollziehbaren Worten Warnungen auszusprechen, eine Straßengang wird für wichtigeres eingesetzt als für die bloße Propaganda gefährlich zu sein, und die wahren Verbrecher unserer Zeit werden hervorgehoben.

Leider werden gerade im letztem Punkt, der auch immer häufiger in Filmen unserer Zeit beachtet wird, arg viele Fehler gebaut. Der Chef des bösen Konzerns ist viel zu filmschurkisch ausgefallen und hinterlässt damit ein falsches Bild. Mit seinem Tod ist angeblich auch das ganze Projekt beendet, dem er und seine Firma nachgegangen ist, er hat wie ein Mafiosi einen Gehilfen für die schnelle Drecksarbeit, scheut sich nicht davor selbst Morde zu begehen (und das in aller Öffentlichkeit), das ist alles arg blauäugig und findet seinen Höhepunkt in jener Szene, in welcher die Kleinkriminellen-Gang es mit dem eigentlich unerreichbaren Großindustriellen-Kriminellen aufnehmen darf.

Wie man sieht ist trotz lobenswerter Ansätze auch in „Alligator 2 – Die Mutation“ Augen zudrücken angesagt, um seinen Spaß zu haben. Aber ein Auge dafür hätte jeder Cineast, wenn er nur will, dann nutzt es bitte auch. Jon Hess' Film ist nämlich flott erzählt, und das obwohl der Alligator nach der ersten Attacke eine halbe Stunde pausiert. Diese widmet sich den Figuren und den Ermittlungen, letzteres ist ein Bereich den ich persönlich lieber sichte als x unnötige Tierattacken.

Der Alligator selbst wirkt immer dann billig, wenn man ein echtes Tier benutzt. Dies sieht so gar nicht übermäßig groß aus und bedrohlich schon mal gar nicht. Eine brauchbare Alligator-Puppe hatte man scheinbar auch nicht parat, das ist aber gar nicht wild. Denn Hess setzt das Tier meist in dunklen Szenen ein und benutzt dabei oft die „Nah am Maul“-Perspektive, und das hat wiederum Wirkung.

Zwischendurch gibt es auch nette Überraschungen zu sichten. So ist es sicherlich einfallsreich zu nennen, dass in alter Road Runner-Art eine als Falle gesetzte Bombe den Spieß umdreht, wenn das Tier den besagten Sprengstoff frisst und nun als wandelnde Bombe noch bedrohlicher ist als zuvor. Dass so etwas nicht all zu ernst gemeint ist, liegt auf der Hand.

Die augenzwinkernde Atmosphäre wird auch immer wieder mit actionfilmtypischen Sprüchen mit zwiespältiger Wirkung belegt. So mancher dieser Sprüche weiß zu gefallen, manch anderer ist richtig peinlich, sorgt damit aber immerhin für unfreiwillige Komik, die auch zu unterhalten weiß. Höhepunkt der schlechten Sprüche dürfte wohl der des Oberschurken sein, in der Szene, in der er die Tochter des Bürgermeisters anbaggern will: „Du bist ein Mädchen, aber ich könnte Dich zur Frau machen.“ (sinngemäß, kein genaues Zitat).

Zwar kann man „Alligator 2“ nicht als spannend bezeichnen, aber durchaus als kurzweilig. Im Gegensatz zu Teil 1 ist er jedoch keine Empfehlung an jedermann, sondern schlichtweg ein kleiner Tipp für den Freund des Genres Horror.  OFDb

Die erste Hälfte ist die bessere von beiden. Im Prinzip gibt es dort nur einen negativen Faktor, und das ist Michaels Vater. Dass Michaels Vergangenheit mit einer asozialen Familie erklärt wurde, und diese dann auch wirklich primitiv sein musste, ist schön und gut, aber der Vater ist für einen „Halloween“-Film einfach zu comichaft charakterisiert und unterbietet sogar das Niveau des bösen Vaters aus Teil 6. Ansonsten gibt es von meiner Seite aus dort nichts zu beklagen.

Der Junge, der den jungen Michael spielt, ist gut gecastet worden. Man kann sich gut vorstellen dass aus ihm mal der besagte Killer wird. Die Morde geschehen so gnadenlos, dass man sich unweigerlich fragt wie man diese Vorgänge einem kleinen Jungen beim Filmdreh erklärt. In Amerika ist das sicherlich noch einmal einfacher, so wie man dort mit Horrorfilmen groß wird, ein flaues Gefühl bleibt mir bei so etwas aber dennoch stets im Magen. Diesem geht es übrigens gut, obwohl das Remake wohl das blutigste Ergebnis sein dürfte, das die Reihe bisher hervorgebracht hat. Aber das ist typisch für die Horrorwerke dieser Zeit, im direkten Vergleich dennoch harmloser (man beachte nur einmal "The Hills Have Eyes" und den sehr mittelmäßigen „Texas Chainsawmassacre 2 – The Beginning“ mit ihren Bluttaten).

Dass Michaels erstes menschliches Opfer ausgerechnet am selben Tag sein Leben verliert, an dem Myers Mutter vom Schulpsychologen wachgerüttelt wird ist vielleicht etwas zu zufällig, aber wollen wir uns mal nicht an jeder Kleinigkeit aufhängen. Ein Remake ist stets dafür da Geld zu scheffeln, von Kunst reden wir hier also sowieso nicht.

Bedingt könnte man dies allerdings schon. So gibt es einiges an guten psychologischen Ideen, trotz mancher Brachialpunkte wie die übertriebene White Trash-Familie. Die lachende Clownsmaske ist eine dieser guten Ideen. Immer wenn sie dem Jungen heruntergerissen wird taucht dahinter die sehr ernste Mine einer traurigen, vertrockneten Kinderseele auf. Es ist sicherlich kein Zufall oder ein reines visuelles Spiel dass Michael diese Maske in einer bestimmten Szene auf dem Kopf hochgerückt positioniert sitzen hat. Die Mutter kommt nach Hause, Michael sitzt auf der Treppe und die Kamera fährt so nach oben, dass uns dort der Clown anlächelt.

Was von einigen Zuschauern nicht kapiert oder ignoriert wurde, wenn man Reviews zu diesem Film liest: aus Michael wird später der Killer wie wir ihn aus der Originalreihe kennen. Er wird ein seelenloses Objekt und kein menschlicher Massenmörder, wie oft zu lesen ist. Dies wird Schritt für Schritt in der Therapie gezeigt. Der Junge erinnert sich nicht mehr an die Morde, hin und wieder bricht die unheimliche Killermacht in ihm heraus, die so stark ist, dass er sogar seine Mutter attackiert. Und ab da wo er begreift dass er nie mehr aus der Anstalt heraus kommt, tritt die Seele Michaels zurück und lässt das Böse in ihm wüten. Wozu sollte ein kleiner Junge auch noch bleiben, wenn selbst seine eigene Mutter ihn nicht mehr besuchen kommt?

Michael verweigert das Sprechen und ist irgendwann, isoliert in der Psychiatrie, gar nicht mehr da. Das ominöse, in keinem „Halloween“-Teil je erklärte, Böse hat den Jungen nun komplett eingenommen. Und wenn man diesen Vorgang begriffen hat, ist die eben beschriebene Szene auf der Treppe um so wirkungsvoller. Die Clownsmaske hat in diesem Moment etwas von der Gesichtsbekleidung aus dem Jim Carrey-Film „Die Maske“. Dort war sie von einem Narrengott besessen.

Würde man diesen nun etwas bösartiger deuten, käme man der Wirkung dieser, uns aus der Vogelperspektive anlächelnden, Clownsmaske in "Halloween" nahe. Michael wirkt niedergeschlagen, kann seine eigene Tat wahrscheinlich selbst schon nicht mehr nachvollziehen. Das Nichttragen der Maske ist ein deutliches Zeichen, dass wir hier wieder Michael den Jungen und nicht Michael den Dämon sitzen haben. Aber die Maske lächelt uns von oben an. Das Böse sagt dem Zuschauer, dass es jetzt erst losgeht. Auch in den späteren Psychiatrieszenen setzt mit der Häufigkeit des nach außen tretenden Bösen auch die Häufigkeit des Maskentragen ein.

Allein dass er sich später auch als Junge im Normalzustand hinter einer Maske versteckt zeigt deutlich, dass das Böse in ihm sich im zweiten Schritt irgendwann sogar mit seiner kindlichen Seele vermischt. Zum Ende der ersten Hälfte ist der Junge fast komplett verschwunden, der dritte Schritt ist erreicht, das Monster lebt. Ebenso wie die böse Seite seiner Seele einst nur einen kleinen Platz einnahm, so ist nun das Gute in ihm kaum mehr vorhanden. Aber es ist, wie eine spätere Szene zeigen wird. Das mag nicht konsequent genug klingen, aber nur so macht die Suche nach seiner Schwester viele Jahre später Sinn, die ja immerhin zum Haupteckpfeiler der zweiten Filmhälfte wird.

In dieser erleben wir wie Myers aus der Psychiatrie flieht (ohne eine in der Kinofassung zum Glück nicht eingebrachten, peinlich provokativen Vergewaltigungsszene, die völlig unpassend im Director’s Cut auftaucht) und nun seine Schwester sucht. Im Grunde passiert nun das selbe wie im Original, mit der Ausnahme dass Laurie Michaels Schwester ist. In der Originalreihe war sie nur eine Babysitterin, die erst mit Teil 2 zu Michaels Schwester wurde, um der ganzen Geschichte eine neue Mystik zu geben. Das hat Zombie dann auch zum Glück kapiert, leben doch all die Fortsetzungen von Michaels undurchsichtigen Antrieb seine Familie zu lynchen. Mit dem Element der Schwester hätten wir dann aber auch das einzige was Zombie aus den Fortsetzungen übernimmt. Der Rest orientiert sich am Original.

In der Neuverfilmung mag der Drang seine noch lebenden Verwandten zu suchen nun nicht so mystisch wirken wie in der sonstigen „Halloween“-Reihe, sieht Michael in seiner Schwester doch hier das einzig gute, das ihm je wiederfahren ist. Aber Zombie denkt zwei Schritte im Voraus. Vom letzten Hauch Gutem in Michael gelenkt, arbeitet er sich zu Laurie vor (eliminiert nebenbei alle menschlichen Störelemente, welche die Zweisamkeit mit seinem Schwesterchen später stören könnten) und wird nun ein letztes Mal bitter enttäuscht.

Unwissend reagiert Laurie wie es ein solches Opfer (zumindest in Filmen) tut. Mit der daraus resultierenden Enttäuschung stirbt in Michael nun komplett der Junge ab, zurück bleibt nur noch das unmenschliche Schattenwesen, der vierte und letzte Schritt in Michaels Metamorphose ist beendet. Der Junge wird nie mehr zurückkehren. Und nun haben wir die nötige Mystik für Fortsetzungen. So oft wie hier auf Michael geschossen wird, können wir auch im Remake nicht von einem Menschen sprechen. Die Geheimnisse um das Böse in Michael waren immer nötig, um der Reihe den nötigen Pfiff zu geben. Das Remake erklärt nur wie die Seele aus Michael verschwand, nicht aber durch was sie ersetzt wurde. Und nur wenn man dies erkannt hat, sieht man auch, dass Zombie gerade auch dieses Gesetz der Reihe als bekennender Fan respektiert, und nicht (wie oft zu lesen ist) ignoriert, um aus Michael einen menschlichen Killer zu machen.

So mystisch die Figur des Myers ist, so schwachsinnig ist die von Zombie gewählte Erscheinung dessen im Erwachsenenalter. Michael machte mir in der Jugend nicht den Eindruck eines nach Krafttraining lechzenden Jungen. Das Böse in ihm zeigt sich durch Schweigen und Geduld. Wie zum Teufel konnte aus dem schmächtigen Bübchen, angetrieben vom Bösen, so ein Klotz von Mann a la Jason werden? Das ist fehl am Platz und widerspricht seiner im Gefängnis gelebten Art. Der schmächtige Michael aus den anderen Filmen hatte mehr Wirkung und war auch logischer.

Doch so fehlbesetzt der erwachsene Myers auch ist, eine andere Rolle überrascht dafür um so mehr: Malcom McDowell spielt den Dr. Loomis hervorragend. Das mag andere „Halloween“-Fans sicherlich schocken, aber ich empfinde ihn als den besseren Loomis-Darsteller, und das obwohl ich Donald Pleasance in den Originalfilmen ebenfalls sehr gut gecastet fand. Aber rein optisch wirkt der neue Doktor mehr. Leider wird in der Neuverfilmung nicht ganz so deutlich wie sehr Loomis Michael mystifiziert. Das klingt nur kurz an, wirkt aber weniger überzeugend und weniger fanatisch. Hätte man hieran mehr gearbeitet, wäre vielleicht manch anderem ein Licht aufgegangen, was das Übernatürliche in Michael betrifft, das von vielen übersehen wurde.

Der restliche Cast ist o.k. zu nennen. Keiner fällt weder sonderlich positiv noch negativ auf. Udo Kiers Rolle hätte man sich komplett schenken können (wozu immer das krampfhafte Einbringen von Stars?) und die Rolle der Laurie Strode wurde interessant modernisiert. Sie ist nun nicht mehr das extreme Mauerblümchen, aber sie ist auch nicht zum Dummchen mutiert. Clever und taff ist eine seltene Kombination im klischeebeladenen Amerika-Popkorn-Kino, schön dass die Rolle der Laurie hier anders tickt.

Dass man mit Laurie nicht so mitfiebert wie mit jener aus der ersten Verfilmung liegt nicht an der Besetzung. Die Schuld hierfür trifft Zombie. Der gibt uns Michael in der ersten Hälfte als Identifikationsfigur, erzählt in der zweiten Hälfte den Film jedoch sehr nah am Original und vergisst dabei aber, dass Laurie nun nur schwer beim Zuschauer als Identifikation dienen kann. Sie ist einem fremd, ihr Verfolger ist uns hingegen vertraut. Dieser wird allerdings nun eingebracht wie im Original: als Schattenwesen, immer nur mal kurz auftauchend um im Finale wieder länger präsent zu sein.

Durch diese Erzählweise identifiziert man sich mit Michael in der zweiten Hälfte kaum noch, bzw. gar nicht mehr. Das ist schade. Gerade den Ansatz die Geschehnisse des Originals nun aus Michaels Sicht zu erleben, hätte ich für sehr reizvoll gehalten. Was bleibt ist eine zweite Hälfte ohne Identifikationsfigur. Das funktioniert, aber sicherlich nicht bei jedem Zuschauer. Die einzige wichtige Rolle, die uns in beiden Filmhälften vom gleichen Schauspieler gespielt begegnet, ist die des Dr. Loomis. Loomis kommt allerdings zu selten vor, als dass nun er als Identifikationsfigur fungieren könnte. Aber ich denke mal das hätte eh kaum wer gewollt.

Dass Zombie in der zweiten Hälfte Carpenters Original sehr häufig in Wort und Bild zitiert wird oft kritisiert, eben wegen der sehr originellen ersten Hälfte. Ich finde es allerdings o.k. Würde Zombie dies nicht machen, würde man von einer Neuverfilmung nur noch etwas in der Namensgebung merken. Letzten Endes war, ähnlich der "Freitag der 13."-Reihe, jede Fortsetzung ein Fastremake. Die Geschichten dort waren Magerkost. Aus der Schwester wurde die Nichte (deren Darstellerin hier eine Nebenrolle mit Oben-ohne-Auftritt hat) und später wurde aus der Verfolgten deren Tochter. Ansonsten war alles beim alten.

Würde Zombie nun nicht des öfteren kopieren, könnte man fast sagen man hätte es mit einem Teil 9 zu tun, der uns nur zusätzlich in der ersten Hälfte in Myers Vergangenheit schnuppern lässt. So wird das Remake-Anliegen nun Fakt, und man darf beobachten was Zombie verstanden und nicht verstanden hat.

Was mir fehlte war das klassische "der todgeglaubte Myers steht kerzengerade auf". An anderer Stelle zeigt Zombie, dass er die Worte Loomis' begriffen hat. Myers kennt keinen Unterschied zwischen Gut und Böse. Und so guckt er das von ihm an die Wand mit einem Messer fest getackerte Opfer, genau wie im Original, mit einem schräg positionierten Gesicht, sachlich an, ohne darin etwas (ehemals) Lebendiges zu sehen. Kopieren heißt nicht kapieren, aber Zombie zeigt ähnliches zuvor in der Kindheit, in welcher der junge Mörder nach einer seiner Bluttaten durch die Blutpfütze schlendert, ohne diese als solche wahrzunehmen. Das sind, ähnlich der Clownsmaskenszene, Bereiche, in denen die Psychologie stimmt.

Zum Schluss bleibt mir noch zu sagen, dass die Maske hier herrlich dreckig wirkt (zum Glück wurde diese nicht gegen eine andere Maske eingetauscht). Michael hat durch sie eine besonders düstere Wirkung. Mit einem schmaleren Darsteller hätte man diese ohnehin schon intensive Wirkung noch verstärken können. Im groben wurde aber zumindest das meiste richtig gemacht. Die Psychologie des Killers Myers wurde beibehalten (Heiligtum Haus, nur zweckdienlich morden, ...), es wurden neue interessante Dinge eingebracht, altes gewürdigt, und man durfte einen spannenden Film sehen.  OFDb

Dass bei dieser Voyeurnummer auch eine Nacktszene nicht fehlen darf ist klar. Dass ausgerechnet die unattraktivste Dame die Hüllen fallen lässt, ist dafür um so untypischer. Die bekannteren Namen aus dem Filmgeschäft, als da wären Jeffrey Combs aus „Re-Animator“, Paul Gleason aus „Der Frühstücksclub“ und Lance Henriksen aus „Aliens - Die Rückkehr“, haben sehr kleine Rollen erwischt, spielen diese aber unterhaltsam und nicht pflichtgemäß gelangweilt. Ohnehin haben sie nette Szenen ergattert. Henriksen darf z.B. nebenbei vom Darwin Award berichten, einer realen Auszeichnung, bei welcher jene geehrt werden, die auf besonders dumme Art gestorben sind.

So lustig gehen die Tode in „Abominable“ nicht vonstatten. Für einen derart kleinen, braven Routinehorror überrascht er dafür hin und wieder mit dem sehr blutigen Ableben seiner Figuren. Am übelsten trifft es hierbei den besagten Pfleger. Ihm wird die vordere Hälfte des Kopfes mit nur einem Happs abgebissen. Hierbei sieht man den kompletten Biss ebenso, wie den Leichnam mit halben Kopf, der zu Boden geschleudert wird.

Das Monster selbst ist so eine halbgare Sache. Von weitem wirkt es, und von nahem gefilmt hängt seine Wirkung von seinen Bewegungen ab. Da gibt es einige Kopf- und Bauchbewegungen, welche das Monster wie aus der „Muppet Show“ entlaufen wirken lassen. Andere Nahaufnahmen haben wiederum sehr wohl Potential. Manchmal macht das Gesicht der Kreatur einen zu steifen Eindruck, manchmal kommt es überzeugend rüber. Das Biest selbst ist sehr groß, und einem gelungenen Schlussgag sei dank, der den Ami bei seinem Tunnelblickdenken entlarvt, erfahren wir auch, warum es so viel frisst. Das Fressverhalten hätte ansonsten sehr unlogisch gewirkt, aber mit Unlogiken wird man in „Abominable“ ausnahmsweise ohnehin nicht zu sehr zugeschmissen. Dies ist für einen US-Horrorfilm dieses Produktionsniveaus eher selten.

Das Finale geht flott vonstatten, ist aber etwas schwächer umgesetzt als der Rest des Streifens. Mitunter liegt dies daran, dass eines der Teen-Girls nun mit in den Vordergrund rückt und schauspielerisch nicht mit dem Rest mithalten kann. Sie spielt nicht völlig untalentiert, aber nun einmal deutlich schwächer. Auch atmosphärisch lässt der Film im letzten Drittel etwas nach, dafür ist die Art, wie die Bestie ihren Tod findet, nett gewählt. Die ersten 60 Minuten sind im Vergleich zur finalen halben Stunde jedoch wesentlich spannender ausgefallen. Aber bei einem Film dieser Art ist es ohnehin erfreulich überhaupt einen funktionierenden Spannungsbogen geboten zu bekommen.

Dies ist der erste gelungene Yeti-Horror, den ich bisher sichten durfte. Und es ist schön mitzuerleben, wie eine solche Geschichte einmal halbwegs spannend und mit einem halbwegs wirksamen Monster erzählt wird. Und noch positiver überrascht ist man dann, wenn die Figuren zum Großteil nachvollziehbar handeln und deren Darsteller mimisch zu überzeugen wissen. Für den Horrorfreund, der mal wieder das kleine Filmchen für zwischendurch benötigt, sei dieser B-Movie also wärmstens ans Herz gelegt.  OFDb

Was erkämpft wurde, kann man wieder verlieren (hat man streng genommen bereits auch ein gutes Stück wieder), und je frischer die Wunden, desto größer die Angst der Rückkehr zur alten Norm. „Die Frauen von Stepford“ spielt in Form einer Satire mit der Idee, dass Frauen beides verlieren könnten: die Gleichberechtigung und das Individuum - und mit diesen beiden Elementen schlichtweg die Freiheit.

Ich weiß nicht ob die Fernsehwerbesendungen der strahlenden Hausfrau zu irgendeiner Zeit tatsächlich ernst genommen wurde, zur Entstehungszeit von Bryan Forbes Science-Fiction-Werk war dies zumindest nicht mehr der Fall, auch wenn „Drei Mädchen und drei Jungen“ und andere heile Welt-Serien tagtäglich im Fernsehen liefen. Der Gedanke der glücklichen Hausfrau schien grotesk. Zwar war es in den emanzipierten 70er Jahren legitim als Frau die Rolle der Hausfrau zu wählen, aber das Abbild dieser in der Werbung war und ist extremst überzogen und dient heutzutage nur noch als Belustigung.

Wenn die Heldin der Geschichte nun in einen Ort zieht, der geradezu bevölkert ist vom Frauenbild der Produktinformationen, dann weiß das einen eine Zeit lang zum Schmunzeln zu bringen, situativ sogar zum Lachen (z.B. wenn das erste Frauentreffen in Stepford stattfindet). Der dramatische Aspekt, der mit diesem leicht schwarzen Humor verbunden ist, und der Spannungsbogen um den Forbes bemüht ist, sorgen jedoch dafür, dass der nötige Ernst der Problematik nicht untergeht. Und je tiefer der Film in die Ereignisse um Stepford eintaucht, desto ernster nimmt man seine Geschichte.

Das liegt mitunter auch daran, dass die Orientierung an Joanna sehr hoch ist. Sie wurde mit Katharine Ross sehr interessant besetzt, ist diese doch ein süßes, zierliches Wesen, weiblich im Erscheinungsbild und etwas aufreizend gekleidet ohne zu gewagte Wege einzugehen. Das auch im Film kurz angesprochene Thema der Kampfemanzen sollte sie nicht verkörpern. Sie sollte die Frau von nebenan sein, ist charakterlich taff gestaltet, weiß sich in der Männerwelt durchzusetzen und ihren Wünschen zu folgen ohne dabei egoistisch nur an sich zu denken.

Man mag Joanna einfach, und man gönnt ihr das Recht auf ihre Freiheit. Aber so taff sie auch sein mag, gegen die auf sie so dümmlich wirkende männliche Dominanz kommt sie nie richtig an. Mit zwei verbündeten, ebenfalls erst kürzlich nach Stepford gezogenen, Frauen weiß sie sich zwar eine Zeit lang zu wehren und über die seltsame Art der Stepford-Frauen zu sinnieren, aber spätestens wenn ihr auch die zweite Verbündete genommen wird, die sich ebenso wie die erste in ein braves Hausmütterchen verwandelt hat, ist sie da, die zerbrechliche Frauenrolle, die körperlich dem Mann unterlegen ist und emanzipiert hin oder her sich der Überzahl der Feinde nicht mehr im Kampf stellen kann.

In dem düster angelegten Finale, das im Gegensatz zum Restfilm im Handeln der Hauptfigur manches Mal etwas unglaubwürdig wird, muss Joanna nun versteckt agieren. In einem „Nicht ohne meine Tochter“-Plot kann sie Stepford nicht ohne ihre Kinder verlassen, eines gespielt vom „Grüne Tomaten“-Star Mary Stuart Masterson, die hier ihr Schauspiel-Debut ablieferte. Filme der 70er Jahre waren im Science Fiction-Genre nicht sonderlich blauäugig erzählt, und so schließt der Film, betrachtet auf die bisherigen Vorkommnisse, glaubwürdig und düster. Die Schluss-Szene verdeutlicht in ihrer Monotonie nun welch bitterböses Bild sich hinter der Mentalität der Fernsehwerbungen versteckt, welche wir zu Unterhaltungszwecken verharmlosen bzw. als selbstverständlich zu akzeptieren gelernt haben.

„Die Frauen von Stepford“ ist sehr schleichend erzählt. Die ersten 30 Minuten zeigen lediglich die Umorientierung Joannas, die mit ihrer Familie zuvor in einer Großstadt lebte und das auch genoss. Erst nach dieser langen Einführung zeigt Forbes erstmals deutlich, dass die Stepford-Frauen so sind wie sie sind. Zuvor durfte man lediglich erst die Nachbarin erleben, die uns einen Vorgeschmack dessen gab, was in höherer Population noch folgen sollte.

Auch wenn des Rätsels Lösung heutzutage mit moderneren Alternativen zu lösen wäre, so guckt sich „The Stepford Wives“ (Originaltitel) doch recht zeitlos, eben weil er in einer friedlichen Kleinstadt spielt, die, sofern wir aktuellen Filmen glauben können, heute noch genau so geartet sind wie damals. Lediglich die Sehgewohnheiten der damaligen Zeit muss man als Zuschauer beherrschen können. Wer sich schnell langweilt und eher Aktion anstatt psychologische Stimmigkeit bevorzugt, der wird mit dieser Satire nichts anfangen können. Der wird eher in der albernen wie missglückten Neuverfilmung von Frank Oz, die ebenfalls den Namen „Die Frauen von Stepford“ trägt, sein cineastisches Glück finden.

Wer aber den langsamen Erzählstil des 70er Jahre-Kinos mag und es genießt interessant charakterisierte Figuren auch mal bei Nichtigkeiten zuzusehen, die nichts mit der eigentlichen Geschichte zu tun haben, der wird dieses sensibel angegangene Filmchen genießen können, auch wenn es etwas verwundert, dass der Spannungsgehalt doch recht gering gehalten wurde. Etwas mehr davon hätte nicht geschadet, um den an sich gelungenen Streifen noch etwas aufwerten zu können.

Denn letztendlich arbeitet er inhaltlich lediglich auf ein Geheimnis hin, dessen wir uns als Zuschauer in der Regel schon zuvor bewusst sind. Gerade deswegen ist es aber auch so erstaunlich, dass „Die Frauen von Stepford“ mit seinen Wichtigkeiten wie Nichtigkeiten so gut zu unterhalten weiß, zumal mit der Thematik um die Angst des Individualitäts-Verlustes, gerade zur Entstehungszeit des Streifens, im Science Fiction-Genre recht oft gespielt wurde (z.B. in „Die Körperfresser kommen“ und „Futureworld“). Bryan Forbes Werk kann mit der Konkurrenz jedoch bestens mithalten, gilt er doch heute als anerkannter Klassiker, einer der drei Fortsetzungen und die bereits erwähnte Neuverfilmung nach sich zog.  OFDb